La letra con salsa entra

Una vida bohemia

2012-02-11T00:24:00.001+02:00

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Robert Walser llegó a mi, como tantas otras veces me ha ocurrido, leyendo un libro de Enrique Vila Matas. De inmediato intenté buscar algo de su obra en un biblioteca de barrio y encontré quizás su obra más conocida, Jacob von Gunten, que junto a Los hermanos Tanner es su obra principal.

Walser nació en Suiza en el año 1878 y durante su vida cambió con frecuencia no sólo de profesión, sino también de residencia; dejó los estudios muy joven y se dedicó a cualquier oficio que pudiera ayudarle a ganarse la vida. A una edad avanzada comenzó a tener problemas psicológicos y fue ingresado en el manicomio de Wladau para pasar finalmente a Herisau.

El paseo comienza con una salida del autor para dar una caminata por su pueblo. En su itinerario se para sólo en los mínimos detalles y acontecimientos. Su escritura es fluida, genial; sus descripciones están llenas de movimiento. Eso es lo más admirable del escritor suizo, su capacidad para captar los detalles, lo que no parece más nimio. Si lo seguimos se abre a nuestros ojos una vida maravillosa que antes no conocíamos; nos transmite su optimismo y su forma de ver la vida: una vida bohemia que muchos queremos para nosotros y tenemos al alcance de nuestras manos.

Por eso, hago estos palitos, porque son una mezcla sencilla de ingredientes básicos y el resultado también es sencillo; además, son fáciles de hacer, de manera que podemos ser felices con ellos y descubrir la BELLEZA sencilla de la vida. La capacidad de observación, no tener prisas nos hace ganar en profundidad. En la cocina también necesitamos serenidad, dulzura y reposo fijándonos en los detalles, en los ingredientes, disfrutando de ellos, así todo ganará en sabor y el resultado impresionará a nuestros invitados.

Las barritas podrían acompañar a un paseante que comienza su día así:

" Hasta donde puedo acordarme hoy, cuando escribo todo esto, me encontraba, al salir a la calle abierta, luminosa, alegre, en un estado de ánimo romántico-extravagante, que me satisfacía profundamente. El mundo actual que se extendía ante mis ojos me parecía tan bello como si lo viera por primera vez. Todo lo que veía me daba la agradable sensación de cordialidad, bondad y juventud."

Siempre es posible leer este libro como si fuera la primera vez, siempre lo estrenamos porque el entusiasmo de Walser penetra en nosotros y llegamos a sentirnos capaces de todo, también de vivir una VIDA BOHEMIA.

Walser fue admirado por grandes escritores: Kafka, Benjamin o Robert Musil, es decir, tuvo cierto reconocimiento en vida, pero como habéis podido leer no disfruto de una vida fácil.

"“A veces ando errante en la niebla y en mil vacilaciones y confusiones, y a menudo me siento miserablemente abandonado. Pero pienso que es bello luchar. Un hombre no se siente orgulloso de las alegrías y del placer. En el fondo lo único que da orgullo y alegría al espíritu son los esfuerzos superados con bravura y los sufrimientos soportados con paciencia. Pero no gusta derrochar palabras a este respecto. ¿Qué hombre honrado ha mantenido por completo intactos a lo largo de los años sus esperanzas, planes, sueños? ¿Dónde está el alma cuyos anhelos, osados deseos, dulces y elevadas concepciones de la felicidad se cumplieron, sin tener que hacer descuentos en ellas?"

Murió precisamente dando un paseo, el día de Navidad de 1956, rodeado de nieve, algo que testimoniamos en este impactante e inquietante foto.

Gracias por la traducción a Katie Stearns.

1080 es el futuro. Una "odisea" en la cocina.

2012-02-02T07:17:00.002+02:00

Hoy se publica mi foto en 1080 fotos de cocina.

Alimentos para el alma

2012-01-28T22:48:00.000+02:00

Una espiral de sabores

2012-01-25T23:35:00.001+02:00

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Vértigo es una película de Alfred Hitchcock estrenada en 1958 en el Festival de Cine de San Sebastián. En la cinta Scottie (James Stewart) es un detective retirado al que un amigo llama para que se encargue de vigilar a su esposa (Kim Novak), que está poseída por un espíritu. Está considerada como una de las mejores películas de Alfred Hitchcok y, aunque no es un dato muy conocido, basada en una novela de Pierre Boileau llamada Sueurs froides: d'entre les morts . La banda sonora, como no podía ser menos, es de Bernard Herrman.

La intriga queda en un segundo plano y el director nos deja con lo auténticamente importante, la tragedia amorosa. Fue mi admirado Cabrera Infante quien apuntó por primera vez a su similitud con el mito de Orfeo, muy acertadamente porque a veces merece la pena bajar a los infiernos a por Eurídice. Vale el esfuerzo, el sacrificio que se puede llevar a cabo en la cocina o en el trabajo si al final obtenemos una maravillosa recompensa.

Como en el mito, el amor subvierte la realidad para convertirla en algo fantástico. El amor se convierte en un delirio que embarga a los protagonistas y los convierte en personajes arrastrados por la fatalidad.

Para Hitchcock era muy importante el contenido pero también la forma, esta no es un a simple excusa y una de las primeras imágenes que observamos es la espiral: el icono del vértigo. Aparece en los títulos de crédito, en el moño de Madeleine, en la escalera que asciende al campanario…y en las galletas que he preparado. La espiral, también como la película es inabarcable, inagotable; nunca se termina de ver, y tiene algo de hipnótico, como muchos sabores a los que volvemos una y otra vez.

La espiral nos puede llevar a pensar también en el laberinto con el Minotauro y Ariadna, con el miedo del hombre, puesto que el vértigo no es más que eso, miedo a las alturas, miedo a lo desconocido y a las habilidades que tiene el hombre para controlar su propio destino. Las galletas podrían haberse hecho de mil maneras y formas distintas, hemos sido nosotros los que nos hemos atrevido a experimentar con las formas, a decidir que queríamos de ellas…una espiral que nos lleve al destino que nosotros queremos.

Y por último, hay una canción de The Beatles que me recuerda la espiral: The long and winding road cuya letra dice que ese camino, largo y sinuoso, nos deja siempre en tu puerta…como yo quiero dejaros hoy estas deliciosas galletas.

Próximamente

2012-01-22T17:15:00.000+02:00

Una pirueta en la memoria

2012-01-15T16:21:00.000+02:00

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Pirueta es un comic de Charles Dutertre que ha editado en su sello, Una china en mi zapato, mi amigo Pedro Alpera*. Una pirueta es un movimiento ágil y rápido en el aire; en francés es un rastrillo utilizado para remover el heno; es también el recuerdo que tiene el autor, Charles Dutertre. de sus abuelos y del verano en una granja de la Bretaña francesa.

Sin embargo, Pirueta es más, mucho más: la nostalgia de un adulto que rememora de forma tan sencilla como fresca, sin aferrarse a ninguna sensiblería, la vida en el campo. La obra está estructurada en capítulos que representan las distintas horas de la jornada y en cada uno de ellos se cuentan las aventuras de un niño que disfruta de su infancia con una libertad a la que sólo se accede en el campo. Dutertre es capaz de decirnos mucho con un simple trazo.

Evidentemente, la variedad de comidas es muy amplia en el libro. Hay una parte que me encanta: la hora de la merienda, cuando Charles y su hermano esperaban a su abuelo mientras empezaban a comer paté untado en “grandes rebanadas de pan de hogaza”; era uno de los momentos más felices del día.

Esta crema de pan con dados de foie podría “hacer de magdalena” al autor, pero estoy segura que no solo a él. Somos muchos los que merendábamos un buen bocadillo relleno, brincando y saltando alrededor de nuestros abuelos.

“Mi infancia son recuerdos de un patio de Sevilla,/y un huerto claro donde madura el limonero” … Recuerdo a una niña dando largos paseos con su abuelo. Él es constante, y camina animoso para vencer su enfermedad. Lleva siempre en los labios una sonrisa y nunca se queja. La niña ha crecido y conserva la imagen de aquella persona entrañable, un recuerdo que puede teñirse de tristeza o nostalgia aunque rápidamente se transforma en un momento feliz y comprende que no puede quedarse atrás, porque todos nuestros recuerdos bonitos tienen futuro.

Supongo que cuando nos acercamos al final de la vida volvemos a ser niños y podemos disfrutar tanto como ellos de algunas cosas que los adultos no apreciamos, a menos que nos atrevamos a seguir siendo felices.

*Pedro tiene un blog de cocina con Pelorroto llamado Hoy no comemos. No dejéis de visitarlo, es maravilloso.

Gracias a Katie Stearns por la traducción.

La sencillez de lo sublime

2012-01-08T17:02:00.002+02:00

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De dioses y hombres (Des hommes et des dieux) es una película de Xavier Beauvois sobre una comunidad de monjes trapenses en Argelia, la antigua colonia francesa, durante la guerra civil que sufrió el país entre 1991 y 2002.

Los monjes viven en un monasterio en el Atlas, pertenecen a la orden cisterciense que tradicionalmente se han catalogado como una orden de vida contemplativa. La Orden del Císter recibió su mayor impulso de Beranardo de Claraval (1090-1153), que aunque no fue su fundador, pues este fue Roberto Molesmes, sigue siendo hoy día su principal maestro espiritual tras San Benito, iniciador de la vida monacal en occidente. La espiritualidad del Císter (monjes blancos), que es una reforma de Cluny (monjes negros), es un intento de volver a las fuentes de la regla de San Benito :”ora et labora”, que se traduce en el cultivo de la ascesis, la paz y la búsqueda de Dios. Por ello, por ejemplo, los monjes trapenses (la trapa es una reforma del Císter del siglo XVII) valoran el tiempo que conceden a la palabra. Si bien no hacen voto de silencio, reservan la palabra para la comunicación necesaria. La conversación espontánea la guarda hoy para ocasiones especiales. Los trapenses, consideran que hablar poco permite profundizar la vida interior; el silencio es parte de su espiritualidad. El ruido distrae. Lo que los monjes pretenden, me parece, es evitar distracciones. El silencio cumple su función en relación con la palabra y no al revés; es decir, no es el silencio porque sí, sino para que la palabra signifique auténticamente.

Siempre me ha interesado especialmente el arte cisterciense que está en concordancia con su espiritualidad: debe ser una ayuda para el camino interior de los monjes. Por eso desarrollan un arte sobrio, austero y monocromo. La sencillez rige todos los aspectos de la vida monástica, por eso, cuando visitamos algún monasterio de esta Orden, la sensación es impactante, nos damos cuenta de lo que realmente importa en la vida. Nos despojamos de todo lo superfluo y superficial llegando a la profundidad a través de lo verdaderamente necesario. Nuestro estilo de vida ruidoso y lleno de cosas contrasta con lo que percibimos de la vida monástica cuya expresión es siempre contenida buscando no los adornos, sino lo sustancial.

Volviendo a la película, y sin querer destriparla, los monjes se encuentran en la alternativa de abandonar o resistir, sabiendo el peligro que ello conlleva. En una escena realmente maravillosa, uno de ellos saca una botella de vino que tenía escondida y brindan por la decisión tomada siendo conscientes de que van a morir. Las imágenes se acompañan con la música de El Lago de los Cisnes, de Tchaikovsky, el espectador se sumerge en la situación y no nos queda más que brindar con ellos. También vamos a morir: lo sabemos y por eso lo celebramos con estas frutas cocidas en sangría disfrutando de lo que tenemos en el momento con austeridad y sobriedad porque ahí se encuentra la belleza que nos abre al sentido de la vida. Hay platos verdaderamente deslumbrantes por su sencillez, como si de un edificio cisterciense estuviéramos hablando. La desnudez, la simplicidad nos lleva a la esencia de la existencia y por tanto a la búsqueda de la autenticidad. Eso ocurre con estas frutas, al probarlas, llegamos a la verdad, al fondo de la vida, a la entraña del sabor y empezamos con una nueva energía otra etapa de nuestra vida porque nos damos cuenta de que la sencillez nos acompaña en los momentos más especiales de nuestra vida.

1080 es el futuro. Una "odisea" en la cocina.

2012-01-04T07:14:00.002+02:00

Hoy se publica mi foto en 1080 fotos de cocina.

1080 es el futuro. Una "odisea" en la cocina.

2011-12-22T07:00:00.011+02:00

Hoy se publica mi foto en 1080 fotos de cocina.

Un paisaje nevado

2011-12-17T22:23:00.001+02:00

Por aquellos días salió un decreto del emperador Augusto, por el que se debía proceder a un censo en todo el imperio. Este fue el primer censo, siendo Quirino gobernador de Siria. Todos, pues, empezaron a moverse para ser registrados cada uno en su ciudad natal. José también, que estaba en Galilea, en la ciudad de Nazaret, subió a Judea, a la ciudad de David, llamada Belén, porque era descendiente de David; allí se inscribió con María, su esposa, que estaba embarazada. Mientras estaban en Belén, llegó para María el momento del parto, y dio a luz a su hijo primogénito. Lo envolvió en pañales y lo acostó en un pesebre, pues no había lugar para ellos en la sala principal de la casa [Lc 2,1-7].

Si pienso en algunas de las imágenes que vienen a mi cabeza de la Navidad (además de las familiares y las de la infancia), una de las primeras es El censo de Belén de Brueghel el Viejo. Brueghel Es uno de mis pintores favoritos y he hablado en dos ocasiones de él en este blog; además, no perderé la oportunidad de comentar más adelante la presentación de El vino de San Martín una obra encontrada hace unos años de la que se desconocía su autoría y gracias a una magnífica restauración en el Museo del Prado podemos disfrutar de ella en esta pinacoteca.

Brueghel vivió en el siglo XVI y es holandés ya que nació en Breda aunque Holanda no existía en esa época como nación, se le reconoce uno de los grandes maestros flamencos. Existen bastantes lagunas sobre su formación y, aunque sabemos que viajó por Italia y Francia, queda constancia de su asentamiento en Amberes dentro del gremio de pintores. Se hizo conocido sobre todo por sus pinturas de paisajes, costumbristas o familiares; incluso la pintura de la que os hablo puede ser considerada un paisaje:

Vemos la plaza de un pueblo cubierto de nieve en el que aparecen personajes anónimos y diseminados en el espacio. Si observamos bien, veremos una posada abarrotada de gente y a una mujer sobre un asno, un buey y otro hombre tirando de los animales. La pieza plasma el censo decretado por el emperador Augusto en todo el imperio Romano: José debe inscribirse en Belén puesto que es descendiente de David, y allí María se pone de parto sin haber encontrado posada señalada en el cuadro con su corona verde.

Siempre me ha parecido entrañable y muy acogedora esta imagen: un paisaje nevado que trasmite, paradójicamente, mucho calor. Brueghel convierte esta pintura en una escena nada sagrada ya que además traspone la historia a un paisaje flamenco por el clima, los edificios y las actividades que se realizan; todo es un anacronismo. Todo sucede entre otros acontecimientos mundanos, es la pura realidad y puede ser plenamente contemporánea, una llamada a la compasión: compartir lo que tenemos para que nadie se quede solo y a la intemperie y de la misma manera, compartir la comida.

Una escena típica de estas fechas que se aproximan, como los “lebkuchen” alemanes y los panes especiados tan típicos de esta zona europea. Algunos investigadores creen que el término “lebkuchen” significa "torta de la vida" debido a que “leb” viene de “leben” ( en alemán de la vida, la vida) y Kuchen (pastel).

Por otro lado y como la imagen, estas nos parecen unas simples y sencillas galletas pero al degustarlas estallan en nuestra boca la mezcla de especias, entonces nos damos cuenta de que estamos en Navidad y celebramos una nueva vida. Notamos que al compartir crece lo que tenemos y, por eso, también podemos dar vida al mundo.

Felicidades a todos.

Gracias a Katie Stearns por la traducción.

Alimentos para el alma

2011-12-08T02:01:00.000+02:00

Celebrar la vida

2011-12-04T14:04:00.002+02:00

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Desde el ocho de noviembre y hasta el 25 de marzo podremos disfrutar, todos los que estemos o nos acerquemos a Madrid de la exposición El Hermitage en el Prado que cuenta como comisario principal al director del museo ruso.

Se han elegido ciento veinte obras que recorren desde el siglo V a. C hasta el siglo XX. Es una exposición abrumadora y de hecho se trata de la primera vez que salen tal número de piezas del museo ruso. Hablamos de un acuerdo de intercambio entre los dos museos puesto que a principios de este año se organizó una exposición en San Petesburgo llamada El Prado en el Hermitage .

Pueden contemplarse en la exposición grandes obras maestras de Tiziano, Caravaggio, Rubens, Durero… y Velázquez, del que me gustaría hablar hoy. La obra en concreto es titulada El almuerzo y como ocurre en el trabajo del sevillano, lo importante no es lo que se ve en primer plano sino la historia que se cuenta y se vislumbra al fondo. La pintura pertenece a su etapa sevillana, en concreto es de 1617, Velázquez ha pintado una escena cotidiana: tres hombres sentados en una mesa con mantel blanco sobre el que descansa un plato de mejillones, un vaso de vino, varias granadas y pan. Aparentemente, como decimos, esto es lo que observamos pero lo que se representa en la pintura son las tres edades del hombre. Los dos personajes de la izquierda parecen felices: son el adolescente y el adulto; en cambio, el anciano que se sitúa a la derecha parece más preocupado por lo que aparece en la mesa. Los colores y la composición son los típicos en esta etapa de Velázquez, el tenebrismo con la luz entrando por la izquierda le da cierto aire naturalista a las expresiones.

Las tres edades del hombre (aunque son una creación de la Antigüedad clásica y se refiere a las edades por las que ha pasado la humanidad) para nosotros son la cronológica, la biológica y la psicológica; solo la primera es inexorable, las otras dependen de nuestra actitud. Envejecer no solo tiene que ver con cuidar el cuerpo o la salud, sino también con las emociones y el pensamiento. Tener interés por el aprendizaje es estar abierto a la vida y sentirse joven, eso pienso observando esta maravillosa obra de Velázquez.

Confianza, motivación, deseos, objetivos… eso es lo que triunfa aquí porque tanto el joven que ha cumplido veinte como el adulto que cumple treinta cinco y el mayor que va por los sesenta pueden seguir aprendiendo, atreverse a soñar, ser creativos; eso es celebrar la vida y eso es lo que aquí se hace. Celebrar la vida: un buen plato de mejillones, pan, vino y toda la vida por delante.

Gracias a Katie Stearns por la traducción.

Una sutileza más II

2011-12-03T00:40:00.000+02:00

Gracias a Katie Stearns por la traducción al inglés.

Alimentos para el alma

2011-11-29T23:37:00.000+02:00

Una sutileza más

2011-11-27T01:17:00.001+02:00

Deseando amar, más conocida como In the mood for love es una película de de Wong Kar Wei del año 2000 ganadora de varios premios en el Festival de Cannes.

La película está centrada en el Hong Kong de los años 60. Un hombre y una mujer son vecinos de habitación y ambos comparten una circunstancia personal muy parecida. Él es redactor jefe; ella, secretaria. Se encuentran y se hacen amigos, mientras que nosotros somos espectadores de idas y venidas de café y charlas ambigüas. Las escenas de la película se repiten, se mezclan los días y nos parece que todos son iguales, que siempre vemos la misma imagen: ella con su pequeño termo baja a comprar una sopa preparada, se cruzan en la escalera, él que tiene siempre el periódico bajo el brazo.

La sutileza inunda el largometraje: lo importante es lo que no se cuenta; el espectador tiene todo el tiempo que necesita para averiguar qué sucede, qué se esconde en esa relación, mientras, gracias a la maestría de Kar Wei, podemos recrearnos en la belleza que todo lo rodea: los escenarios, el ambiente, los decorados, el vestuario y los actores; sobre todo la impresionante Maggie Cheung que hipnotiza con solo mirarla.

Por supuesto, y como nos suele tener acostumbrados este director, la belleza también llega a nuestros oídos con una maravillosa banda sonora y especialmente con algunos temas como Yumenji’s Theme, mientras que los personajes se mueven a cámara lenta…una celebración para los sentidos.

Otra sutileza, por eso, porque lo interesante es lo que no se cuenta, porque lo hermoso es lo que no se dice, ¿quién adivina los ingredientes de esta sopa?. La receta nos parece sutil porque no llegamos a vislumbrar cuales son los ingredientes, se trata de un secreto, un secreto “A VOCES”; como en la película, el espectador tiene vía libre para intuir, para percibir cual es la realidad. Tenéis todo una semana para descubrirlo y son solo dos ingredientes los que se utilizan en esta sencilla y deliciosa sopa china. ¿Alguien se atreve?

Alimentos para el alma

2011-11-18T00:42:00.000+02:00

La dieta de la belleza

2011-11-11T19:17:00.001+02:00

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He estado leyendo estos días un libro de Hugo Ball llamado La huida del tiempo (un diario). Ball es reconocido como el fundador del movimiento dadaísta y del mítico Cabaret Voltaire. El artista nació en Alemania, donde estudió filosofía y sociología además de actuar en algunos teatros de Berlín. Cuando estalló la I Guerra Mundial huyó a Zurich donde fundo el Cabaret Voltaire, centro neurálgico del movimiento dadaísta.

Las reflexiones de Ball en este diario son muy interesantes. Yo he encontrado algunas que me han llamado poderosamente la atención. Se refiere continuamente a los artistas, al arte, al papel que ambos juegan en una época de barbarie como la que le tocó vivir: “El secreto del artista reside en el temor y en el respeto. Nuestra época lo ha convertido en miedo y horror”. Sigue: “En una época como la nuestra, en la que los hombres se ven asaltados a diario por las cosas más monstruosas, sin que se pueda tomar conciencia de las impresiones, en una época así, la producción estética se convierte en dieta” LA DIETA DE LA BELLEZA.

Buscamos la belleza, en época de dificultad y de amargura, cuando todo está perdido, cuando no hallamos salida, cuando todo se desintegra y se derrumba ante nuestros ojos; entonces es cuando más nos hace falta LA DIETA DE LA BELLEZA. Vivir de ella, alimentarnos de ella, de los colores, de los tonos, del aspecto de las cosas “bonitas” de las realidades hermosas… Estos roscos y palitos de colores podrían ser una opción porque hay momentos en que también necesitamos alimentarnos de la belleza.

Como decía Ball vivió una época dura, sin embargo, ni permaneció pasivo ni se quedó en un mismo sitio, sino que supo cambiar y seguir buscando. El dadaísmo dejó de interesarle como sistema expresivo, pero no se detuvo y aunque convocado al fracasó por su época, siguió adelante buscando esa belleza que permanece siempre como horizonte. De la misma manera, nosotros podemos permanecer inamovibles en nuestros gustos culinarios: acabar siempre con las mismas croquetas o con la misma carne. Pero a nosotros también nos han tocado tiempos difíciles y permanecer abiertos a nuevas experiencias-también en la cocina-nos dará ese aire que necesitamos para vivir. De pequeños quizás no soportábamos las espinacas que hoy nos encantan, o tal vez destetábamos aquel pescado que hoy nos parece delicioso, ¿y mañana?

Gracias a Katie Stearns por la traducción.

Alimentos para el alma

2011-11-05T22:27:00.000+02:00

1080 es el futuro. Una "odisea" en la cocina.

2011-11-02T22:29:00.000+02:00

Hoy se ha publicado mi foto en 1080 fotos de cocina.

Quince minutos de fama

2011-10-30T15:32:00.002+02:00

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Andy Warhol (1928-1987) fue el tercer hijo de una familia obrera de Pittsburg (Pensilvania), originaria de Eslovaquia. Warhol comenzó su carrera como ilustrador y publicista, aunque muy pronto adquirió importancia en la pintura y el arte por la notoriedad conseguida con los medios de comunicación.

Tanto él como Liechtenstein, cansados del arte emocional, del expresionismo abstracto, comenzaron una nueva etapa en la que el arte se convierte más en diseño industrial que en la expresión de ideas y sentimientos. Se valieron para ello de las imágenes comerciales, que reproducen con total precisión (envases de las sopas Campbell o Brillo, botellas de Coca-Cola, estrellas cinematográficas como Marilyn Monroe o Liz Taylor y cantantes, como Elvis Presley) utilizando la técnica de la serigrafía, además reproducen las imágenes sistemáticamente. Las Latas de sopa Campbell fue uno de sus primeros trabajos a principios de los años 60. Ya en esa década fue vendida por 10.000 dólares en una subasta en Sotheby’s (aunque esta pieza ha llegado a alcanzar los seis millones de dólares). Se trataba de representar los objetos cotidianos: el artista decía que ese había sido el almuerzo más habitual a lo largo de su vida, de forma que lo transformaba en una obra de arte. Sus objetos de interés son banales, reconocibles por cualquier americano y los expone como una reproducción publicitaria para ridiculizar la sociedad de consumo.

Por eso he querido relacionar al representante del “pop art” con esta receta: se trata de un cuenco de sopa hecho de pan, comestible. El cuenco no es más que un contenedor de lo verdaderamente importante, la sopa. Es algo que llama la atención y sorprende rápidamente, un objeto impactante que nos lleva a olvidar el contenido y a hacer que nos detengamos solo en la presencia, en lo superficial. Algo que nos da “15 minutos de fama”. ¿Es esto arte? Warhol vio “el diseño publicitario como arte de verdad y el arte de verdad como diseño publicitario”. Durante sus primeros momentos el “popero” es la persona que nos enseña a ver los objetos cotidianos con otros ojos pero en poco tiempo se convierte en un comerciante que disfruta con todo aquello que puede venderse y le da dinero. Poco tiene esto que ver con el arte, yo prefiero “la aparición irrepetible de una lejanía…” y el “ carácter inaccesible”.

Esta manera de trabajar fue muy criticada y Warhol se convirtió en un personaje bastante polémico pues por todos los medios trató de burlarse de la cultura de masas y del “american way of life”; algo que se volvió en su contra.

Por otra parte Warhol se convirtió en el catalizador de otras ramas artísticas en su época: apadrinó a Jean Michel Basquiat, a The Velvet Underground (para John Cale diseñó la portada del disco Honi Soit), Roling Stones, Lou Reed Y David Bowie. Como decía se dedicaba al “negocio del arte” o ¿al “arte del negocio”?

Gracias a Katie Stearns por la traducción al inglés.

1080 es el futuro. Una "odisea" en la cocina.

2011-10-25T08:48:00.000+03:00

Hoy se publica mi foto en 1080 fotos de cocina.

Es rubia, es Hitchcok y también es maravillosa.

2011-10-23T00:19:00.000+03:00

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North by northwest ha sido conocida con nombres tan dispares como Con la muerte en los talones en España, o Intriga internacional en Lationomaérica. Es una película del año 1959 dirigida por Alfred Hitchcok y protagonizada por Cary Grant y Eva Marie Saint. Considerada una de las mejores en la trayectoria del director (obtuvo tres nominaciones al Oscar), fue estrenada en el Festival de Cine de San Sebastián. Por supuesto, también la recordamos por la magnífica banda sonora de Bernard Herrmann que tenemos asociada, por ejemplo, a la conocida escena de la persecución de Grant. no sería la misma en nuestros recuerdos.

Roger Thornhill (Cary Grant) es un ejecutivo al que unos espías han confundido con una persona importante, de manera que intentan secuestrarlo y ante la pericia de Thornhill la persecución nos mantiene in quietos toda la película. En una de las ocasiones en que intenta huir conoce a una atractiva mujer, Eve Kendall (Eva Marie Saint) que lo ayuda escondiéndolo en su compartimento del tren. Justo al conocerse mantiene una interesante conversación gastronómica con ella. “Nunca hablo de amor con el estómago vacío” dice ella en la versión doblada, aunque realmente decía otra frase (“Nunca hago el amor con el estómago vacío”), que la censura de Estados Unidos eliminó. Esa penosa institución está presente en alguna que otra escena. Además, la escena que sucede en la ONU hubo de ser rodada con cámara oculta debido a las prohibiciones de la organización para filmar en el edificio.

En su libro-entrevista con François Truffaut Alfred Hitchcocok definía ese elemento del argumento que se conoce como macguffin, para él, era la excusa que mueve a los personajes en una película: los planos, la fórmula secreta o el microfilme y en Con la muerte en los talones tenemos el macguffin llevado a su máxima esencia. Con la muerte en los talones representa el gusto por el absurdo de su director: escenas como la de la borrachera en la comisaría, la subasta de arte o la persecución del avión fumigador donde no hay nada que fumigar, permanecerán en nuestra memoria cinematográfica durante mucho tiempo porque es precisamente este es el éxito de la película: hacer una parodia de sí misma y del cine de acción o de espías; lo importante no es por qué corre Grant o por qué está borracho, sino que el espectador vibre y se entusiasme con las escenas, de manera que la identificación con el personaje pueda ser total.

De forma que también es posible ponerse en la piel de los protagonistas y pensar en los inicios de una relación, en la alegría de compartir alimentos, encontrar sabores, hallar ingredientes…todo esto me lleva a hacerme preguntas; ¿es tan importante la comida en el amor?, ¿tienen tanto en común? Si, es cierto que la comida puede transmitirnos unas sensaciones muy similares: la ternura, la delicadeza, la liviandad y la eternidad, la explosión y el arrebato. Algún plato en según qué situaciones puede reconfortarnos como un largo abrazo. Por eso, no se trata sólo de cocinar con amor, sino de que la cocina es también un lenguaje y estas tortitas de maíz con salmón y salsa de yogur pueden querer decir a nuestro amor que seremos tiernos y delicados como ellas, refrescantes y livianos como la salsa de yogur, profundos y eternos como el punzante sabor del salmón.

Alimentos para el alma

2011-10-14T00:25:00.000+03:00

Yo no soy yo, yo era otro

2011-10-09T16:59:00.002+03:00

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Inmre Kertész es un escritor húngaro que nació en 1929 en Budapest; por lo tanto, vivió toda la dureza de la II Guerra Mundial. Siendo un adolescente fue deportado primero al campo de Auschtwiz y más tarde a al de Buchenwald. Semejantes experiencias han marcado profundamente su vida y su trabajo. Una vez finalizada la pesadilla de los campos de exterminio, volvió a Hungría donde comenzó a trabajar como traductor y periodista.

Su primera gran obra Sin destino (1975) fue silenciada por el gobierno de Hungría como el escritor ha reconocido amargamente en algún comentario a la prensa. Kertész no se dejaba vencer y seguía entregado a su pasión a la vez que se ganaba la vida traduciendo al alemán. “Escribir me salvó la vida” ha dicho en varias ocasiones y su producción literaria tenía que ver fundamentalmente con la Shoah, la vergüenza, (también la de haber sobrevivido) la soledad y el aislamiento. Por sus obras podemos comprender cómo fue la literatura lo que lo salvó. El acto de escribir como proceso catártico en el que uno se juzga a sí mismo y con el que puede transformarse, convertirse en otro.

Hoy Kertész es uno de los mayores escritores europeos, ganador del Premio Nobel de Literatura en el año 2002. Ha llegado a ser una persona a cuya voz se le reconoce una especial autoridad moral, pues pese a las experiencias terribles que ha atravesado, sigue luchando por la vida desde la esperanza. Precisamente de estas realidades quisiera hablar hoy. He leído muchos de los libros de este autor, pero ha sido uno de los últimos que ha caído en mis manos, Yo, otro. Crónica del cambio, el que más me ha llevado a pensar sobre todo eso. El texto no tiene absolutamente ningún desperdicio; hay dos ideas que me obsesionan de este magnífico autor :

La capacidad para ser feliz tras haber sufrido mucho; de hecho, Kertész afirma que “el padecimiento lleva precisamente a la felicidad” Algo totalmente admirable es el deleite que le provocan las pequeñas cosas como un pastel verde (podría ser este) que recuerda haber tomado trece años antes de escribir el libro en Berlín. Se siente obligado a ser feliz, como también decía Camus, pero ¿ante quien?: ¿ante nosotros mismos?, ¿ante Dios?

La ausencia de gratitud en el arte; Kertész reflexiona cuando escucha música y se da cuenta de que ese sentimiento brilla por su ausencia en esta materia. De ello se puede extraer una reflexión gastronómica: la cocina es puro agradecimiento. ¿No es eso precisamente por lo que hoy podría ser considerada arte? Cocinamos para los demás, queremos cuidarlos, que sean felices, que disfruten… y ellos deben agradecerlo con la alegría que nos devuelven ¿puede llamarse eso gratitud? ¿y no es, quizás, digno de agradecer? Como dice el autor: “…en definitiva, hemos de saber y, por tanto, hemos de vivir también como si alguien viera… no a nosotros, no con nuestros ojos, sino a través de nuestras vidas.”

Gracias a Katie Stearns por la traducción al inglés.

Alimentos para el alma

2011-10-03T00:45:00.000+03:00

El olor de los recuerdos

2011-09-25T12:58:00.000+03:00

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Paul Cézanne es considerado hoy el padre del arte contemporáneo aunque, como suele pasar, durante su vida en su época no fue reconocido como tal. Hombre valiente, Cézanne dejó sus estudios de derecho para dedicarse a la pintura y digo bien, porque en sus obras podemos observar la primacía del color sobre los volúmenes. Éstos son simplificados y yuxtapone colores planos en tres formas simples: esfera, cono y cilindro.

Cézanne comenzó su carrera exponiendo con los impresionistas aunque rápidamente se interesó por ciertos problemas técnicos que le hicieron abandonar París y sus salones (tenía independencia económica, se lo podía permitir) Estuvo interesado durante toda su vida para conseguir un ideal de perfección artística.

Cézanne fue, como he dicho, un hombre valiente pues tuvo el coraje de abandonar los procedimientos tradicionales en pintura, los que triunfaban en los salones parisinos y en la academia, y buscó nuevos caminos para mostrarnos el mundo: nos mostró la profundidad y el color juntos sin abandonar la composición. Todos los grandes artistas de la Historia del Arte han necesitado valor, pues lo nuevo siempre lleva consigo la polémica, por ello es necesaria la valentía para mantenerse firme y constante en la búsqueda de la belleza que por otro lado siempre es nueva.

No es de extrañar que algunos de la obras célebres, como este bodegón de manzanas, fueran considerados auténticos mamarrachos, obras exentas de estilo y valor porque aquellos críticos solo apreciaban lo que ya conocían y sus prejuicios los hacían insensible, a lo nuevo, a lo hermoso.

Las manzanas de esta pintura son simples, están colocadas encima de una mesa y tiene un plato a su lado; el fondo es alegre y colorido. Si cerramos los ojos todos podríamos ver la escena descrita, en cambio, nunca podríamos volver a rememorar el sabor de esas sabrosas piezas de fruta. El gusto es uno de los sentidos que más recuerdos nos despierta, uno de los que más nos hace disfrutar y también el que más nos cuesta activar junto con el olfato. Quizás por eso me atraigan tanto los buenos sabores y olores, que identifico con algo y son tan difíciles de evocar y revivir; quizás por eso, los llego a relacionar con estados de ánimos, etapas de la vida o momentos especiales… Quizás por esa razón el sabor y el olor a canela en esta sencilla elaboración siempre me va a recordar al extravío de un niño que buscaba un sueño de canela en las primeras noches de otoño.

Gracias a Katie Stearns por la traducción al inglés.

No es rubia, no es Hitchcok y es maravillosa

2011-09-18T20:19:00.003+03:00

Charada es una película de Stanley Donen, director de películas memorables como Cantando bajo la lluvia o Dos en la carretera (de la que ya hablamos aquí). En este caso quiso hacer un homenaje a Alfred Hitchcok aunque ella no es rubia… pero es maravillosa.

El film es una mezcla sabia de ingrediente, como los buenos platos, que la auparon al éxito. Primero: dos protagonistas que explotan su encanto y su química: Cary Grant y Audrey Hepburn. Segundo: la ciudad de la luz, París, captada por una maravillosa fotografía. Tercero: la inolvidable banda sonora de, una vez más, Henry Mancini.

Regina Lamper (Audrey Hepburn) pasa sus vacaciones en la nieve; allí conoce a Peter Joshua (Cary Grant). Una vez acabadas las vacaciones, vuelve a París dispuesta a solicitar el divorcio. Se entera de que su marido ha muerto y que mantiene una deuda en Estados Unidos. El dinero, imposible de encontrar, es el objetivo de tres hombres que la persiguen constantemente para conseguir el botín. Peter (que cambia constantemente de nombre) también parece estar interesado por ella como por el dinero. Así se desarrolla la trama con toques de intriga, humor e incluso drama.

La historia transcurre al completo en París en un ambiente rebosante de elegancia y no solo por la ciudad misma, sino por los mismos actores, la música, y los vestido de Givenchy: el eterno y fiel amigo de Hepburn.

La comida juega un papel importante puesto que en una de las primeras escenas se inmortaliza a la actriz comiendo ávidamente. Su amiga le dice: “Cuando te pones a comer así algo te ocurre”. Lo mismo acontece en el despacho del inspector quien le ofrece un sandwich de “leberwurst”, de pollo o de “leberwurst”; claro: ella elige pollo.

Aunque de antemano sé que me estoy metiendo en un tema escabroso, eso es algo que le ocurre a muchas personas al igual que lo contrario. ¿Por qué la comida se puede convertir en un problema? ¿Por qué algo de lo que supuestamente debemos disfrutar se convierte en una pesadilla y en la salida de nuestras ansiedades y complejos? De sobra es conocido por todos los problemas alimenticios que padeció la actriz de esta película en la vida real… Quizás nosotros, los que nos dedicamos de una forma u otra a cocinar, a la gastronomía, debamos subrayar que es posible disfrutar de todos los sentidos, también del gusto. Y quizás debemos preguntarnos porque esas realidades hermosas pueden convertirse en angustia en la sociedad en que vivimos. Esta es una de las razones por las que también debemos alimentar nuestra alma.

Alimentos para el alma

2011-09-10T22:28:00.000+03:00

La tierra prometida

2011-09-03T19:38:00.002+03:00

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Las uvas de la ira es originalmente una novela de John Steinbeck, ganadora del Premio Pullitzer y convertida en una magnífica película de la mano de John Ford que contó con Nunnally Johnnson y Darryl F. Zanuck como guionistas.

La historia original es un reportaje del año 1936 de J. Steinbeck en que narraba la migración masiva de los habitantes de Oklahoma a la tierra prometida, California. El escritor dio vida a esta historia en la novela de la que hablamos, publicada en 1939. La película se realizó en 1940 y recibió varios premios, como el Oscar a la mejor dirección y actriz secundaria.

El protagonista de la historia, Tom Joad (Henry Fonda) regresa a su hogar, tras cumplir condena en prisión, justo cuando sus familiares son expulsados de sus tierras. Toda la familia comienza un largo viaje hacia California con la esperanza de encontrar la libertad y la redención.

El film retrata una de las época más tristes de Norteamérica en la que muchas personas se vieron obligadas a emigrar para llegar a un lugar donde eran tratados como mano de obra explotable, como esclavos. Y todo ello fue magistralmente plasmado por Ford con una atmósfera turbia y angustiosa creada por su excelente director de fotografía Gregg Toland (también, por ejemplo, de Ciudadano Kane) quien supo fotografiar solo el vacío. Utilizando simplemente luz natural, impactó a todo Hollywoood, donde en ese momento triunfaban las películas con una iluminación ostentosa; Toland causó sensación con sus juegos de sombras y oscuridad: una auténtica atmósfera tenebrosa.

Pero si algo sobresale por encima de todo es la dignidad de los personajes gracias, por supuesto, al lirismo y la delicadeza de Ford. En esta película no hay héroes, sino sólo personas que luchan por conseguir un trabajo, por sobrevivir a la penuria sin abandonar jamás a la familia y, sin concesiones al sentimentalismo, con una fuerza poética insuperable.

Las uvas de la ira son las uvas del coraje, de la lucha, de la valentía, de la dignidad, de luchar por eso que quieres, por tus sueños; por abrir futuro cuando todos los caminos parecen cerrados. Sí, hay realmente uvas rebosantes de ira. Así nosotros a veces elegimos la comida del día según nuestro estado de ánimo: primamos el color, la forma, la textura y también su significado. Hay comidas de alegría, pero también de luto; comidas de despedida y comidas de reencuentro; brindis por los que se van o por los que llegan. Por eso, hoy me quedo con estos vasos de uva y gelatina de moscatel: no sólo porque dentro de ellos haya uva, esta vez sin ira, sino también porque me gustaría que la comida nos ofreciese a todos un mundo mejor. ¿No es la comida también una tierra de libertad? La comida también nos redime en una medida diferente a otras realidades; pero a veces una simple uva, cogida antes de tiempo, puede amargarnos o darnos el sabor de la libertad.

Gracias a la generosidad de Katie Stearns por la traducción de la receta al inglés.

1080 es el futuro. Una "odisea" en la cocina.

2011-09-01T08:36:00.002+03:00

Estoy feliz; bueno, un grupo de amigas y yo, porque me han invitado a participar en 1080 fotos de cocina un proyecto que me ilusiona y soy como una niña con zapatos nuevos. Las editoras (Miriam de El invitado de invierno, Sandra de La receta de la felicidad y Pamela de Uno de dos) han pensado en algunas blogueras unidas por la cocina y la fotografía para realizar este aventura que comienza hoy:

Les fabuleux destin du chocolat
A mi lo que me gusta es cocinar
Love Food
The crazy tea party
My lovely food
My little things
Agoisfoto
Just a little bite
Tengo un horno y sé cómo usarlo
Cook me tender
Zerogluten
Rústica
Salseando en la cocina
F ood and cook
L'exquisit
Can Colette

Os invito a que visitéis el portal, hoy además, se publica mi foto.

Gracias a todos.

Un verdadero genio

2011-08-25T18:23:00.001+03:00

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John Kennedy Toole (1937-1969) es el autor de La conjura de los necios, Premio Pulitzer de 1981. Cualquier persona observadora se preguntará la razón de este premio tardío: la madre fue la que luchó, tras el suicidio de su hijo por sacar el libro a la luz. Toole se había quitado la vida tras la negativa de varias editoriales pero la insistencia de su madre consiguió que obtuviera este maravilloso resultado.

El delirante personaje central de la novela es Ignatius J. Reilly, de unos treinta años, que aún vive con su madre y se ve obligado a buscar trabajo para pagar una deuda. Las peripecias por las que pasa son innumerables y los trabajos que consigue también. Uno de esos trabajos consiste en vender salchichas con un carro ambulante. La trama se desarrolla en Nueva Orleáns y es, sobre todo, en el barrio francés donde Ignatius se come todas las salchichas porque vender, vende pocas…

Por supuesto, mis salchichas tienen que ver con esto y con el buen rato que pasé este verano leyendo esta novela. Pero no relaciono a Ignatius con este alimento simplemente porque llegó a venderlo sino porque me ha llevado a pensar que quizás muchas veces somos lo que comemos o, en otras ocasiones, comemos lo que somos. Las salchichas son un alimento popular, cotidiano, corriente que a veces nos parece incluso vulgar aunque todo depende de cómo se cocine. De la misma forma, Ignatius puede resultarnos un poco grosero o tosco pero en poco tiempo descubrimos exactamente lo contrario: las apariencias nos confunden (si Freud levantara la cabeza). Por eso el protagonista quedará en mi memoria por algunas de sus notables frases:

“Su total ignorancia de lo que profesa enseñar merece pena de muerte. Dudo que sepa usted que a San Casiano de Imola le mataron sus propios alumnos atravesándole con sus estilos. Su muerte, un martirio perfectamente honorable, le convirtió en santo patrón de los profesores.

Encomiéndese a él, tonto extraviado, pseudopedante que se dedica a decir: “¿alguien para el tenis?” y a jugar a golf y a trasegar bebidas alcohólicas, pues necesita usted realmente un santo patrón. Aunque sus días están contados, no morirá usted como un mártir (pues no defiende usted ninguna causa santa), sino como el perfecto imbécil que en realidad es.”

Por último no he hecho referencia al título del libro y a su razón de ser. Toole lo tomo de un frase de Johnathan Swift que dice: “Cuando en el mundo aparece un verdadero genio, puede identificársele por este signo: todos los necios se conjuran contra él.” Toole lo vivó en su carnes.

...y ayuno

2011-08-01T19:13:00.000+03:00

Estaremos un tiempo de ayuno. Nos leemos en una tres semanas. Disfrutad del verano.

"El domingo de nuestras vidas"

2011-07-24T13:54:00.002+03:00

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Como ya hemos dicho otras veces, el color y la luz también nos alimentan; por eso esta tarta llena de colores nos anima a disfrutar, y no solo del sabor. Una receta que nos invita a salir, a deleitarnos con la naturaleza, con el exterior, a romper la monotonía, incluso la del tiempo libre: comer al borde del Sena... Se trata, además, de algo diferente: tomates, pero no los habituales: rojos, verdes, negros, naranjas y amarillos; una composición de luces y sombras como la pintura que hoy os presento: una celebración de la vida.

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte es la obra más representativa de Seurat (1859-1891), un pintor considerado postimpresionista y “específicamente” puntillista. El Postimpresionismo es una corriente posterior al Impresionismo en la que destacan artistas tan conocidos como: Cézanne, Van Gogh y Gauguin; también Seurat y Signac, los dos a los que podemos considerar puntillistas.

El Puntillismo, también llamado Divisionismo, consiste en la yuxtaposición de pinceladas de color puro que dejan al espectador la libertad de combinar esos colores. Por eso, estos artistas postimpresionistas son grandes amantes de la representación del paisaje, porque es donde mejor se pueden estudiar los efectos de la luz y sus juegos cromáticos; por ejemplo, ¿no os ha sorprendido siempre la genialidad de estos maestros para la representación de la sombra?

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte ,a simple vista, es la representación de un paisaje, un lugar de la naturaleza que puede llevarnos a pensar. La Grand Jatte es una isla al lado del Sena, entre La Defense y Neully que durante los años finales del siglo XIX fue un paisaje totalmente bucólico. Eso es lo que contemplamos en el lienzo: un paisaje idealizado compuesto por unos personajes inmóviles (a pesar del puntillismo), cada uno de ellos disfruta de su descanso, y nos invita a ello; se trata de una celebración de las vacaciones, del reposo, del asueto. Y es quizás esa inmovilidad la que nos conduce a la serenidad, a la sensación de tranquilidad, de reposo y despreocupación. Las figuras cobran volumen y se acercan tanto a los grandes maestros renacentistas (como Piero Della Francesca) como a las nuevas vanguardias abstractas (cilindros, conos, cuadros).

Según algunos autores la obra tenía un significado oculto representando algunas prostitutas en la orilla y soldados en el centro del lienzo; aunque las sensación que nos queda es la sugerencia que el cuadro nos hace: disfrutemos de la despreocupación, de la quietud, del sosiego y la calma de estos ansiados días de vacaciones. Estamos en “el domingo de nuestras vidas”, vayamos a celebrarlo. Felices vacaciones a todos.

Soñar despierto

2011-07-16T17:00:00.021+03:00

Richard Brautingan (1935-1984) es un peculiar escritor americano conocido fundamentalmente por La pesca de la trucha en América del que, al parecer, vendió dos millones de ejemplares. Otro de sus originales libros es En azúcar de sandía al que quiero hacer referencia hoy. Brautingan tuvo una infancia bastante difícil: no llegó a conocer a su padre y vivió en cinco ciudades distintas. En el colegio destacó por sus aptitudes para el baloncesto y en la escritura; evidentemente, optó por lo segundo superando varios obstáculos de lso que sus estancia en un psiquiátrico no fue el menor.

En 1960 se encuentra en San Francisco donde vivió la época “beatnik” y “hippie” (un ídolo de la cultura underground) y de este momento histórico parece que se alimentan todas sus obras. En azúcar de sandía es su visión de la vida en una comuna pero una comuna bastante atípica llamada “yo MUERTE”. En ella todo se construye con azúcar de sandía, el sol cambia de color, el dinero no existe…, una novela metafórica en la que se mezclan su humor y la forma sencilla de entender el mundo. Para muchos una parábola de la decadencia del siglo XX.

Debo destacar la edición de los ejemplares de esta editorial: Blackie Books (tiene publicado otros de Brautingan). Están muy cuidados, tratados con mucha delicadeza, no dejan de llamar la atención en la mesa de novedades y claro, una vez más, termino comprando el libro.

Azúcar de sandía es el material con el que se construye todo en “yo MUERTE” pero mi sandía no es del todo dulce. Esta lasaña de sandía y queso feta con pistachos (adaptación de una ensalada de Super Natural Everyday, el maravilloso recetario de Heidi Swanson) tiene una connotación agridulce: lo dulce de un sueño que soñamos despiertos y confundimos con la realidad dejando en nuestro paladar un leve sabor agridulce.

Sólo la luz apaga nuestra sed

2011-07-09T17:03:00.002+03:00

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La semana pasada se inauguró en el Museo Thyssen Bornesmiza de Madrid una exposición retrospectiva sobre la obra de Antonio López (1936). La inauguración tuvo lugar el 28 de junio y se podrá visitar hasta el 25 de septiembre.

La selección de obras, que está compuesta por unas ciento treinta, se centra en sus últimas pinturas, esculturas y dibujos con algunas referencias a lo que el artista llama “sus amores de toda una vida”, como la escultura griega. Se trata, como dicen los medios de comunicación, del “acontecimiento artístico del verano” porque la muestra, cuyos comisarios son María López (hija del pintor) y Guillermo Solana (director artístico del Museo Thyssen Bornemisza), ha levantado muchísima expectación.

Antonio López ha sido identificado siempre como un pintor hiperrealista, se le llama el maestro del realismo, aunque él prefiere hablar de sus cuadros como figuración objetiva y pretende expresar la esencia de la cosas. Para él una obra nunca está terminada; por eso, intenta captar lo que huye, lo que se mueve. A menudo dibuja o pinta lo que está en marcha, en obras, lo provisional, lo todavía inseguro: sus vistas de la Gran Vía o desde Vallecas nos hablan de ello.

En esta exposición podemos comprender su proceso de creación: cada día al amanecer durante cinco años el artista ha pintado durante 15 minutos o 30 minutos, el tiempo que dura la luz, sus vistas de la Gran Vía.

Otra de las obras que podemos contemplar es esta retrospectiva es Nevera nueva (1991-1994), una visión fría de un interior doméstico. La nevera está llena pero parece vacía, solamente intuimos algunas piezas de fruta, algunas bebidas, unos pocos huevos y un pollo en la estantería superior. La imagen nos transmite el frío de la nevera, solo con verla sentimos cierta crudeza porque además no vemos la cocina, solo un electrodoméstico y la ausencia de la cocina, del hogar. Como hemos dicho antes López expresa la esencia de las cosas; y ¿no es eso este cóctel refrescante? Como dice el propio artista: prestemos importancia a las cosas básicas y renunciemos a lo innecesario porque casi siempre ahí está la felicidad. ¿Hay algo más básico que esta bebida? ¿Hay algo más que nos pueda dar unos instantes de felicidad en este sofocante verano?

Fuera miedos

2011-07-02T01:16:00.001+03:00

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Cuscús (“Le graine et le mulet”) es una película de nacionalidad francesa dirigida por Andel Kechiche y estrenada en el año 2007. Obtuvo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia y cuatro premios Cesar. La película narra la historia de una familia norteafricana que vive en el sur de Francia. El patriarca, Slimane, está divorciado y en una situación bastante complicada en su vida: su trabajo de toda la vida como astillero se acaba, sus hijos le insisten para que vuelva África pero el tiene una nueva idea: abrir un restaurante en un barco.

El plato estrella del restaurante será el cous cous, un plato tradicional de Marruecos y Argelia hecho a base de sémola de trigo. La palabra “cuscús” en árabe significa “la comida” puesto que puede considerarse como el plato principal de estos pueblos. El restaurante y “ la comida” es lo que hace que una familia desestructurada comience a unirse de nuevo ante el proyecto gastronómico convertido en símbolo del progreso y de una vida mejor. Las dificultades son muchas aunque Slimane no se desmoraliza, con esfuerzo y optimismo el sueño se acerca.

El cous cous es el elemento de unión, el elemento integrador y esperanzador que consigue aunar la energía y el arrojo de todos los miembros de una familia; olvidando las diferencias, los problemas y las distancias. Pelean por un futuro mejor, persiguen sus sueños y olvidan los temores.

De manera que, como no podía ser de otra forma, hoy toca cous cous: uno diferente, dulce y valiente para que nos ayude a decir fuera a los miedos y para luchar por conseguir los sueños.

Todo es provisional

2011-06-25T09:43:00.000+03:00

Juan Marqués es un zaragozano nacido en 1980 y licenciado en filología hispánica. Ha sido becario de la Residencia de Estudiantes de Madrid hasta el año 2009 y actualmente trabaja en el equipo de esta institución. Allí está finalizando su tesis doctoral. Ha escrito Alrededor del sol, Un tiempo libre y Abierto, libro premiado con el Premio Internacional de Poesía “Gerardo Diego”. A este último pertenece el poema que me permito copiar:

Crujido

“En el pasado hay algo que no encaja,
un tren que descarrila en algún sitio
y desordena todo lo de hoy.

Su crujido nos llega amortiguado,
pero llega.

Desde entonces-concluye-
todo es provisional.”

Hay poemas que al leerlos parece que nos pertenecen, nos identificamos tanto con ellos, le damos una interpretación tan personal que los hacemos nuestros. Este es uno de los míos.

Alimentos para el alma

2011-06-19T21:56:00.000+03:00

"¿Es placer o dolor?"

2011-06-14T00:23:00.000+03:00

La archiconocida novela de James Joyce, Ulises, transcurre durante un día que se nos acerca, el 16 de junio. Su dos protagonistas Leopoldo Bloom (por eso Bloomsday) y Stephen Dedalus dan un paseo por Dublín en esa fecha. Joyce escogió ese día por ser aniversario de la primera vez que tuvo una cita con su esposa, Nora Bernacle.

Bloom es un judío irlandés que simboliza el Ulises y Dedalus a su hijo Telémaco, ambos buscan algo: el primero, a su hijo y el segundo, la dedicación a la escritura: Toda la acción se desarrolla en Dublín durante 24 horas y se conmemora todos los 16 de junio desde 1954 haciendo el mismos recorrido que estos hicieron. Este año incluso una estación de radio creada para la ocasión aportará material “jocyano” desde Nueva York. Podéis verlo aquí. Y, desde luego, mi admirado Vila Matas junto con los otros caballeros de la Orden del Finnegans, acudirán a la cita ineludible.

Joyce (1882-1941), que nació en una familia acomodada, se valió de algunas técnicas experimentales para describir situaciones reales: combinó la tradición literaria con su estilo único. Ulises es la novela que lo dio fama universal, es una novela compleja y polémica: muchos la consideran la mejor obra jamás escrita, otros no han conseguido terminar de leerla. Después de esta publicó Dublineses y Finnegans Wake.

Ulises está repleta de referencias gastronómicas: “Caliente vapor de sopa de cabeza de ternera y vaho de bollos con mermelada recién sacados del horno brotaban de Harrison. El pesado efluvio del mediodía le cosquilleó al señor Bloom la parte alta de la garganta. Para hacer una buena repostería hace falta mantequilla, azúcar de caña, o si no, lo notan con el té caliente. ¿O viene de ella? Un golfillo descalzo estaba sobre la reja inhalando los vapores. Así mata el roer del hambre. ¿Es placer o dolor? Comida de a penique. Cuchillo y tenedor encadenados a la mesa.”

“Picante cabeza de ternera rabo de buey sopa al curry. Yo también tengo hambre. Migas de repostería en la pechera de su vestido: un toque de azúcar harinosa pegado a su mejilla. Pastel de ruibarbo con abundante relleno, rico interior de fruta”.

Joyce utilizó la tradición para dar una vuelta de tuerca, para dar un giro, para renovar, según el mismo dijo, su obra iba: “a mantener entretenido a los catedráticos durante siglos”. A su manera, me he decidido por unos típicos “scones” muy conocidos en la gastronomía del Reino Unido (parece que su origen es escocés) acompañados con jamón, higos y mermelada de cebolla. La tradición renovada, combinación española y británica, mezcla agridulce: ¿es placer o dolor?

La alegría de vivir

2011-06-05T12:53:00.000+03:00

Van Gogh (1853-1890) era un pintor postimpresionista del quien todos conocéis algunos de sus problemas. El equilibrio era precisamente lo que le faltaba a Vicent: tenía personalidad bipolar y epilepsia. Podía pasar de la euforia a la tristeza, con una enorme rapidez: en un día visitaba todos los estados anímicos. Su salvación estaba en su trabajo: cuando pintaba la melancolía se esfumaba con los trazos del pincel y entonces todo se volvía enérgico y optimista.

Como los girasoles que recorren los estados de su vida en solo un día, como los girasoles que se salvan gracias al sol, el Sol, que los alimenta y los cuida. Como ellos que son cortados en su plenitud, Van Gogh se suicida en el momento culminante de su existencia. Quizás por ello el pintor holandés les dedicó tantos lienzos a estas plantas. Repetía el mismo tema en infinidad de lienzos, esbozos, dibujos; concebía sus cuadros de la misma manera porque necesitaba crearse una familia; por eso, también le preocupó tanto la amistad y sentirse rodeado de seres queridos.

El primer lienzo de girasoles que realizó es bastante curioso: no se trata de un cuadro de flores decorativo sino que aquellos aparecen cortados y ni siquiera parecen lo que son. Se representan tumbados, son potentes e inquietantes. Aquí comienza el recorrido de Vincent recorrido hacia la brillantez y el color. El "tournesol" viene a representar a Dios como fuente de vida, como poder y misterio de la naturaleza. Van Gogh comienza a perseguir ese color abrasador, como Frida Kahlo decía: “el color de la locura”.

Y desde que pinta ese lienzo su vida será un proceso tormentoso, pasando por extremas y diferentes situaciones; por eso, cuando empezaba a caminar solo, a ser un hombre de éxito decide pegarse un tiro. Era el 27 de julio de 1890.

Van Gogh era un realista atado a la naturaleza que entendió que había otras formas de captar su entorno y la realidad del mundo, no solamente con los ojos, también con los demás sentidos y, por supuesto, con entusiasmo.

Con estos pastelitos de canela podemos sentirnos iluminados por el Sol, acogidos por la naturaleza e inundados por un sentimiento de euforia, porque tenemos muchas forma de percibir las cosas: solo se necesita una segunda visión alimentada e iluminada por la sensibilidad y las emociones de una existencia vivida al máximo: alegría de vivir, entusiasmo.

Alimentos para el alma

2011-06-01T17:19:00.000+03:00

¿Los polos opuestos se atraen?

2011-05-23T00:26:00.001+03:00

Lost in translation es la segunda película escrita y dirigida por Sofia Coppola, hija (como todos sabéis) de Francis Ford Coppola. Bob Harris (Bill Murray) es un actor americano que ha viajado a Tokio para hacer una campaña publicitaria de un whisky. Allí es un personaje muy conocido, que casi no sale de su hotel donde se encuentra con Charlotte Sacarlet Johansson, la mujer de un fotógrafo que está trabajando en Japón. Bob y Charlotte están solos, los dos son solitarios.

Los protagonistas tienen muchas cosas en común, quizás por eso comienzan una relación que se hace más intensa con el paso de los días de las conversaciones y de las vivencias. Una relación nada convencional que tiene su base en unos personajes acomodados y burgueses incapaces de sentir nada nuevo, colmados por la insatisfacción y el desgano hasta que se encuentran. Los dos tienen miedo, los dos están tristes.

Y los dos se sienten desamparados, se sienten perdidos en un escenario futurista y caótico aunque viven tres días felices en un mundo extraño. Sofia Coppola recrea de forma magistral estos estupendos momentos que nos llevan a pensar que todo lo que ocurre en el film fue real, que todos podemos ser felices.

Para ello la directora cuenta con un reparto excelente: el adorable Bill Murray que apunto estuvo de ganar el Oscar por esta interpretación y la entonces casi desconocida e inquietante Scarlett Johansson.

Como otras muchas veces no puedo terminar sin hacer mención de la banda sonora que cuenta con artistas tan buenos como Phoenix, Air, My bloody valentine…

Profunda como el sabor de este aliño de soja, refrescante como el pepino holandés, delicada como estas algas wakame…con un resultado deslumbrante. Porque el mejor resultado es el que sorprende: ingredientes que contrastan pero unidos explotan en el paladar en una armoniosa sinfonía. Como Bob y Charlotte: diferentes mundos, diferentes edades y una honda e intensa relación.

La receta la he aprendido en los fantásticos talleres de cocina que organiza Panepanna con Ayako Anzai. Gracias a las dos.

El pan nuestro de cada día

2011-05-14T17:13:00.001+03:00

Mariano Roldán nació en Rute (Córdoba) en 1932 es poeta de la llamada generación de los 50 aunque no es muy conocido en la actualidad. Ha trabajado como periodista y traductor siendo su ocupación principal escribir.

Comenzó su trayectoria con libros como Memorial en tres tiempos pero fue Hombre nuevo la obra por la que le dieron el Premio Adonais en 1961. Este pequeño libro, viejo y con mucha historia, ha llegado a mis manos recientemente. En él he encontrado algunos versos verdaderamente maravillosos que van a formar parte de mi particular archivo poético.

El poema que escribo a continuación es un ejemplo de lo que digo: en pocas palabras nos reconocemos como seres débiles, necesitamos la comida para vivir, el pan y este es esencial como alimento sanador, primordial y primitivo; un bálsamo que nos transmite su calor y aplaca nuestra tristeza.

Palabra diaria

Inmerecidamente,
te logro cada día.

Puedo, con tu carnal
fluidez, levantarme
del sueño, del hastío
levantarme a vivir…

Caliente pan, ordena
mi áspera ceniza;
no me abandones, aunque
se reseque mi lengua,

oh fresca levadura,
cotidiano refugio
de mi condena de hombre.

El pan puede ser como una poesía, como unos versos: en un momento dado tienen un efecto calmante que nos reconcilia con la existencia. El verso es una mezcla de palabras, algo básico que se transforma para presentarse como un conjunto deslumbrante. Igual que el pan: una mezcla de ingredientes base que se combinan y aparecen como un regalo, un resultado mágico y misterioso que nos lleva a recuperar el entusiasmo por la vida.

El pan de semillas es una receta que he tomado de Madrid Tiene Miga, un fantástico blog que me ha hecho aficionarme, más si cabe, a el fascinante mundo del pan. Gracias QJones.

Alimentos para el alma

2011-05-11T22:51:00.000+03:00

El color amansa a las fieras

2011-05-07T20:33:00.000+03:00

En 1903 se reúnen un grupo de artistas como André Derain o Maurice Vlaminck entorno a la figura de Henri Matisse, padre del fauvismo. Fauvismo es un término que surge en el Salón de Otoño de 1905 para identificar una serie de obras “incoherentes” por expresarse de forma intensa y diferente, según el crítico Louis Vauxcelles. Por ello se consideraron salvajes, fieras en su término francés “fauves”.

Este grupo de pintores incrementan la independencia del cuadro frente a la descripción del objeto; lo importante es el color porque según Matisse desarrolla el “space spirituel”, es decir, se presenta como una expresión de serenidad, calma y equilibrio como en el titulo de esta obra con ecos puntillistas.

El movimiento supone una revolución posterior al Impresionismo: se preocupan por el color brillante, intenso y puro; las sombras aparecerán como diferentes colores y no como un cambio del tono. Por otro lado, el color es plano, la perspectiva se pierde, la profundidad se abandona. El espacio viene de la mano de la tonalidad simple y sencilla.

“La fuerza de la expresión brota de la superficie cromática total” dice Matisse; es decir, podemos revelar muchas cosas a través del color, por ello estoy hablando de una escuela totalmente poética y emocional, los colores describen sentimientos y emociones.

La pintura, como la gastronomía está vinculada al mundo de los sentidos, a la percepción y ambas disciplinas están más unidas de lo que muchas veces pensamos. La pintura y la cocina son expresión de sentimientos y estados anímicos. Por eso muchas veces los humanos pueden ser verdes o rojos y los bizcochos del color del arco iris.

El mundo es más grande que cada uno de nosotros y los fauvistas nos enseñaron a ver de otro modo que formas: colores y es precisamente en el color en donde está la forma. Por eso el fauvismo es una forma de poesía: podemos oir una sinfonía contemplando una pintura o podemos ver colores al leer. Aunque según los médicos esto es una enfermedad, a mi se me antoja que este bizcocho sabe a sueños y entusiasmo.

El frío es el sabor de la felicidad

2011-05-01T00:27:00.001+03:00

Le ballon rouge (El globo rojo) es un cortometraje francés dirigido por Albert Lamorisse (1922-1970) en 1956. Lamorisse es conocido especialmente por sus cortometrajes, como por ejemplo del que os hablo, ya que consiguió la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el Oscar al mejor guión original.

El corto es una verdadera delicia: durante 34 minutos disfrutamos con la historia de un niño que por casualidad encuentra un globo rojo de camino a la escuela. EL globo lo va acompañar siempre como una suerte de amigo inseparable del que todos sus amigos tienen envidia. Hay escenas verdaderamente magníficas; por ejemplo, el encuentro con una niña que tiene un globo azul (curiosamente, la niña es la hermana del protagonista y ambos hijos del director).

Por supuesto, la película se puede interpretar de diferentes : el globo puede ser ese amigo al que me he referido pero también un sueño, una utopía que perseguimos sin descanso. Y, desde luego, nos recuerda a nuestra infancia, la patria perdida a la que volvemos cuando nos comemos un polo como este que os ofrezco.

Me emociona la sensibilidad, el cuidado y la delicadeza con que se narra la historia y el final sorprendente en el que claramente está inspirado la película Up. Los diálogos son escasos y solo escuchamos música del compositor Maurice Leroux y el sonido real de la calle, del maravilloso París que puede considerarse un personaje más.

Los veranos de mi infancia tienen mucho parecido con estas sensaciones: un escalón de mármol frío donde sentarme y mi polo sabroso y frío, un premio que me permitían después de haber dado cuenta de toda la comida; adoraba ese instante. El niño también tiene su premio, bien merecido. Al final… ¿siempre ganan los buenos.

Dejo ya de poneros los dientes largos, aquí tenéis un enlace para ver esta joya en versión original y con subtítulos en inglés. Lo del polo lo veo algo más difícil, pero a quien guste ya sabe donde encontrarme: se lo serviré encantada.